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Festival de Cine en Guadalajara 34 !Animate!!

 Este es un cortometraje mudo estadounidense de 1906 basado en una popular obra de vodevil y dirigido por J. Stuart Blackton.

Es conocida como la primera animación de la historia registrada en película convencional, en la cual aparece una escena en la que se hace uso de la técnica de paso de manivela y la utilización de gises.

La animación se reproduce a veinte fotogramas por segundo.

Un cortometraje mudo francés de animación producido por Émile Cohl en 1908. Una obra pionera del cine de animación​, fue estrenada el 17 de agosto de 1908, dieciséis años después de que Émile Reynaud presentarse su novedoso «teatro óptico».

Cohl logró dotar de movimiento autónomo a los personajes que había dibujado con tinta fotograma por fotograma. Cada una de las 700 imágenes fueron creadas de cero con un personaje y un fondo, pues en aquella época no se había descubierto la técnica de la hoja de celuloide.

Durante el proceso se utilizó tinta china sobre un folio en blanco, más un contratipo del negativo original que invertía los colores.

La película debía proyectarse a 16 fotogramas por segundo, así que Cohl hizo ocho dibujos por segundo y fotografió cada imagen dos veces.

Con una duración total de un minuto y cuarenta segundos, la bobina final contenía 36 metros de película. Cohl crearía nuevas animaciones como: Le Cauchemar de Fantoche de 1908 y Le Peintre Néo-Impressionniste de 1910.

Este trabajo de animación, es posiblemente de los más antiguos de Japón, ya que su fecha de realización oscila entre 1907 y 1911, siendo descubierto en Kioto en 2005. Su autor es aún desconocido.

Katsudō Shashin se compone de dibujos animados en cincuenta fotogramas de tira de celuloide y dura en total tres segundos, a una velocidad de dieciséis imágenes por segundo.

A diferencia de la animación tradicional, en la que las imágenes son fotografiadas, aquí se utilizó un dispositivo denominado kappa-banb con el que cada fotograma pudo ser impreso directamente en una tira de 35mm. en donde las imágenes resultantes tenían una tonalidad roja y negra, los extremos de esa tira fueron unidos de tal forma que se permitiera una reproducción en bucle.

La tecnología para la proyección de películas llegó a Japón entre 1896 y 1897, proveniente de Occidente.

Se tiene conocimiento de que la primera animación extranjera en ser proyectada en una sala de cine en este país fue: Les Exploits de Feu Follet de Émile Cohl de 1911, estrenada en Tokio el 15 de abril de 1912 y a su vez, algunas animaciones japonesas de Ōten Shimokawa, Seitaro Kitayama y Junichi Kouchi, estuvieron entre las primeras producciones de este género en ser exhibidas en salas de cine.

La más antigua de estas películas es Hanawa Hekonai meitō No maki de 1917, conocida como: Namakura – Gatana, en su edición original.

Una de las primeras formas de proyección de animaciones en este país era imprimiendo fotogramas en juguetes ópticos, como por ejemplo, el zoótropo.

En 1898, el fabricante de juguetes alemán Gebrüder Bing presentó un cinematógrafo en un festival de juguetes en Núremberg.

A partir de 1904 esta tecnología llegó a Japón, de tal manera que varias empresas locales se fueron sumando a la distribución al público de dispositivos capaces de proyectar cintas animadas.

En diciembre de 2004 un comerciante de productos de segunda mano de Kioto se puso en contacto con Natsuki Matsumoto, experto en iconografía de la Universidad de arte de Osaka, para comunicarle que tenía en su poder varias películas y proyectores que habían pertenecido a una antigua familia de su ciudad. 

El conjunto incluía tres proyectores, once filmes de 35 mm y trece placas de vidrio para linterna mágica.

El 31 de julio de 2005, Matsumoto descubrió la tira de Katsudō Shashin, que no se había conservado en buenas condiciones. Tomando en cuenta las fechas de manufactura de los proyectores de Kioto, Matsumoto y el historiador Nobuyuki Tsugatag llegaron a la conclusión de que el filme databa de entre los años 1907 y 1911.

En esa época existían muy pocas salas de cine en Japón, por lo que se cree que se trataba de un artículo que era producido en serie y vendido a un precio elevado, pudiendo disponer del material sólo aquellos clientes que contaran con su propio proyector en casa. Según Matsumoto, la cinta debe provenir de una empresa pequeña, dada la mala calidad de la tira y su rudimentaria técnica de impresión.

El hallazgo de Katsudō Shashin fue ampliamente cubierto por los medios de comunicación a nivel nacional.

Gertie the Dinosaur es un cortometraje animado estadounidense de 1914 dirigido por Winsor McCay que inspiró a varias generaciones de realizadores.

Fue el primer trabajo en presentar un personaje con personalidad propia, este se distingue de los creados anteriormente por Blackton y Cohl y lo convierte en el predecesor de los elaborados posteriormente por Walt Disney.

Fue además el primer dibujo animado en ser creado utilizando key frame.

Gertie the Dinosaur fue creado originalmente para ser usado en los vodevil de McCay.

El comenzó a dar charlas en 1906, basado en su trabajo como caricaturista de periódicos y en 1911, realizo presentaciones de animaciones, primero presentando: Little Nemo in Slumberland y después: How a Mosquito Operates. Gertie fue anunciada en 1912.

La primera exhibición fue en el Teatro Palace de Chicago el 8 de febrero de 1914, la presentación consistía en McCay interactuando con Gertie, el diplodocus animado. McCay se ubicaba frente a una proyección vestido con esmoquin y sosteniendo un látigo, llamaba a Gertie, quien aparecía tras unas rocas y le pedía hacer varios trucos, similares a una presentación de circo. 

Para crear la película, McCay debió hacer miles de dibujos de Gertie en hojas de 6.5 x 8.5 pulgadas y contrató a su vecino y el estudiante de arte John A. Fitzsimmons, para que dibujara los fondos quien cuidadosamente remarcó rocas, lagos y árboles hechos anteriormente como guía.

En la creación del dibujo animado, McCay creó varias técnicas que serían utilizadas posteriormente por futuros animadores, una de esas técnicas era reutilizar algunos dibujos para ahorrar trabajo. Se preocupó especialmente de la coordinación de movimientos de Gertie, como la respiración o la tierra que temblaba cuando caminaba debido a su gran peso.

La historia del conserje Mukuzo Imokawa (Mukuzō Genkanban no Maki ) es una película perdida que una vez se consideró la primera película de animación profesional japonesa.

Fue fabricada por Ōten Shimokawa en 1917 para ser mostrado en el cine Asakusa Kinema Kurabu, un teatro en Tokio dirigido directamente por la compañía cinematográficaTenkatsu.

En 1916 esta compañia comenzó a experimentar con la animación con el artista de manga Oten Shimokawa, el produjo la animación dibujando con una tiza en una pizarra y volviendo a dibujar según sea necesario para crear el efecto de animación.

El 9 de noviembre de 1919, Master Tom, un personaje parecido a Félix, debuta en un corto de Paramount Pictures titulado:  “Feline Follies” producido por el estudio de animación de Pat Sullivan, el corto fue dirigido por el caricaturista y animador Otto Messmer.

Al ser un éxito, el estudio de Sullivan rápidamente se puso a trabajar en otro corto protagonizado por Master Tom, “The Musical Mews” estrenado el 16 de noviembre de 1919.

El productor de Paramount, John King, sugirió renombrar al personaje a “Félix”, por las palabras latinas felis (gato) y felix (suerte), el nombre fue utilizado en la tercera película, “The Adventures of Felix” estrenada el 14 de diciembre de 1919.

En 1924, el animador Bill Nolan rediseñó al felino, haciéndolo más redondo y llamativo. La nueva apariencia de Félix, junto a la habilidad de Messmer para la animación, lanzaron al personaje a la fama mundial.

La pregunta de quién creó exactamente a Félix continúa en disputa. 

Sullivan era el propietario del estudio y como en el caso de muchos empresarios se apropió de los derechos de cualquier trabajo creativo de sus empleados. Al igual que muchos otros animadores de ese tiempo, Messmer no fue reconocido. Luego de la muerte de Sullivan en 1933, sus herederos en Australia se adueñaron del personaje.

No fue hasta muchos años después de la muerte de Sullivan que sus empleados Hal Walker, Al Eugster, y el abogado de Sullivan, Harry Kopp, acreditaron a Messmer por la creación de Félix. Indicaron que Félix estaba basado en un Charlie Chaplin animado que Messmer había creado para el estudio de Sullivan antes. La personalidad del gato, el familiar pelaje negro y sus movimientos en “Feline Follies” reflejan las características de Chaplin.

Este capítulo es parte de la serie animada del cine mudo: ¨Out of The Inkwell¨, producida por Max Fleischer desde 1918 hasta 1929.

La serie fue el resultado de tres cortos experimentales producidos independientemente por Max Fleischer en el periodo de 1914 a 1916 para demostrar su invención, el rotoscopio, con el cual consiguió movimientos más reales en las caricaturas.

El rotoscopio proyectaría la película cinematográfica a través de una abertura en el caballete, cubierta por un panel de vidrio que sirve como superficie de dibujo. La imagen de los cortos proyectados se trazaron en papel, la película avanzaba un cuadro a la vez, ya que cada dibujo se hacía a mano. El hermano menor de Fleischer, Dave Fleischer, estaba trabajando como payaso en Coney Island, y sirvió como modelo para lo que se convertiría en su primer personaje famoso que luego evolucionó como: Koko el payaso, quien más tarde evolucionaría en: Bimbo, en la era del sonido.

Huemer rediseñó al payaso para la animación, lo que redujo la dependencia de Fleischer del rotoscopio para la animación fluida. También definió el estilo de dibujo con su calidad distintiva de entintar, por la cual la serie era famosa. Pero fue la interacción de las secuencias de acción en vivo con el artista / creador, Max Fleischer y sus creaciones de pluma y tinta, lo que fue la base de la serie.

La última aparición teatral de Koko fue en la caricatura de Betty Boop, ¨Ha-Ha-Ha¨ de 1934, que era una nueva versión de la película muda de ¨Out of the Inkwell¨, The Cure de 1924. Koko tuvo un breve cameo en su única aparición teatral a color en el comienzo de: Screen Song, Toys will be Toys de 1949.

Un memorable cortometraje mudo producido en Kansas City, Missouri por Walt Disney en 1923.

El corto blanco y negro fue el primero de una serie de las famosas comedias de Alicia de Walt Disney y tenía el título de: Alicia en Slumberland .

El Cortometraje nunca se exhibió teatralmente, sino que se mostró a posibles distribuidores de películas. Se incluyó recientemente como una característica adicional en la “Edición especial de aniversario” de Alicia en el país de las maravillas .

Las aventuras del príncipe Achmed ¨Die Abenteuer des Prinzen Achmed¨ es una película animada de larga duración de 1926 realizada por la animadora alemana Lotte Reiniger.

Es el largometraje animado más antiguo que se conserva.​

Se realizó con la técnica de animación con siluetas que Reiniger había inventado, consiste en manipular recortes de cartón y láminas finas de plomo bajo una cámara. La técnica que empleó es similar a las sombras del Wayang o títeres javaneses. La historia está basada en elementos tomados de Las mil y una noches, especialmente

La historia del príncipe Ahmed y el hada Paribanou, que aparece en The Blue Fairy Book de Andrew Lang. Con la ayuda de Aladino, la Bruja de la Montaña de Fuego y un caballo mágico, el protagonista lucha contra el hechicero africano para conseguir la mano de Peri Banu.

La Banda sonora original fue compuesta por el músico alemán Wolfgang Zeller en colaboración directa con Reiniger.

Se cree que no se conservan copias de nitrato de celulosa de la película. Aunque la película original estaba entintada, las copias anteriores a la restauración estaban todas en blanco y negro. Trabajando con copias de nitrato, archivistas alemanes y británicos restauraron la película añadiendo tras el original fondos coloreados en pastel.

Este corto clasico fue estrenado el 18 de noviembre de 1928 y fue dirigido por Walt Disney y Ub Iwerks, lo produjeron en blanco y negro en Walt Disney Studios y fue distribuido por Celebrity Produtions.

La caricatura es considerada el debut de Mickey Mouse y su novia Minnie, a pesar que ambos personajes habían aparecido ya varios meses antes en el cortometraje: ¨Plane Crazy¨.

Steamboat Willie fue la tercera de las películas de Mickey que se producía hasta el momento, pero fue la primera en ser distribuida por Walt Disney. Meses después, en 1929, se estrenó el cuarto cortometraje, ¨The Barn Dance¨, y se reestrenó ¨Plane Crazy¨.

En esta animación se usa sonido sincronizado por primera vez.

Parte memorable de las,¨Silly Symphonies¨ de Disney es esta animación que fue creada en el año 1929.

Una producción dirigida por Walt Disney y animada por Ub Iwerks. 

Los orígenes de ¨The Skeleton Dance¨ se remontan a mediados de 1928, cuando Walt Disney se dirigía a Nueva York para organizar un acuerdo de distribución de sus nuevos dibujos animados de Mickey Mouse y para grabar la banda sonora de su primer dibujo animado, ¨Steamboat Willie¨ .

Durante una escala en Kansas City , Disney visitó a su viejo conocido Carl Stalling , entonces organista en el Teatro Isis, para que compusiera partituras para sus dos primeros cortos de Mickey, ¨Plane Crazy¨ y ¨The Gallopin Gaucho¨.

Mientras estaba ahí, Stalling le propuso a Disney una serie de caricaturas de “novedad musical” que combinarian música y animación, y que se convertiría en la génesis de la serie: ¨Silly Symphony¨, y le presentó una idea sobre esqueletos que bailaban en un cementerio. Stalling eventualmente se uniría al estudio de Disney como compositor.

Este es el primer dibujo animado de Warner Bros. Merrie Melodies, dirigido por Rudolf Ising de Harman e Ising, estrenado en agosto de 1931.

La caricatura presenta a Foxy como un vaquero que decide visitar una cantina. Su caballo pronto se encuentra borracho de tequila y comienza a alucinar alocadamente. Al igual que Foxy, la caricatura presenta un personaje de zorro hembra que recuerda mucho a Minnie Mouse .

Los animadores acreditados en este corto fueron: Rollin “Ham” Hamilton y Norm Blackburn, además de la animación no acreditada de: Isadore Freleng y Robert Clampett, para quien era su primer dibujo animado en WB, según algunas fuentes.

Carman Maxwell contribuyó con la partitura musical y la dirección de la Brunswick Recording Orchestra de Frank Marsales .

   Une Nuit Sur le Mont Chauve – Alexandre Alexeïeff – Claire Parker – 1933

Alexeieff y Parker dirigieron esta película utilizando la técnica de la pantalla de alfiler, colocando y moviendo miles de alfileres para que cuando se iluminen, produzcan variaciones de luz de blanco a negro. Esta película animada que retrata la música de Moussorgsky incluye elfos, esqueletos y otras criaturas fantásticas que realizan hazañas terroríficas.

Oskar Wilhelm Fischinger fue un pintor, animador abstracto y director de cine alemán. Se destacó por la creación de animación musical abstracta en la que combina la geometría con la música, varias décadas antes de la aparición de los gráficos por computadora y los vídeos musicales.

En Fráncfort conoció al crítico de teatro Bernhard Diebold, quien en 1921 introdujo a Fischinger a la obra de Walter Ruttmann, pionero del cine abstracto. Inspirado en el trabajo de Ruttmann, Fischinger comenzó a experimentar con líquidos coloreados y materiales de modelado tridimensionales tales como cera y arcilla. Inventó una máquina de cortar cera, que sincronizaba una rebanadora vertical con el obturador de una cámara de cine, permitiendo la proyección eficiente de secciones transversales progresivas a través de un molde de cera y arcilla. Fischinger escribió a Ruttmann hablándole sobre su máquina, y este expresó interés por ella. Tras mudarse a Múnich, autorizó a Ruttmann a usar su máquina de cortar cera, quien la utilizó para hacer algunos fondos para la película de Lotte Reiniger “El Príncipe Achmed”. Durante este tiempo el propio Fischinger realizó diversas tomas y pruebas abstractas usando la máquina. Algunas de ellas se distribuyen hoy en día bajo el título: ¨Experimentos de cera¨.

En la Alemania de Adolf Hitler, se consideró su obra arte degenerado y se exilió en Estados Unidos. Llegó a Hollywood en febrero de 1936 y creó los efectos especiales para la película de Fritz Lang de 1929 ¨La mujer en la Luna¨, una de las primeras películas de ciencia ficción.

Realizó más de 50 cortometrajes y pintó alrededor de 800 lienzos, muchos de los cuales se encuentran en museos, galerías y colecciones de todo el mundo.

Entre sus obras cinematográficas se encuentra Motion Painting No. 1 de 1947, incluida en el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos.

Kumo a Chūrippu , literalmente, “Araña y tulipán¨ es un corto de animación japonesa realizado en 1943 por Kenzo Masaoka .

En 2001, la revista japonesa Animage, eligió Kumo a Tulip como una de las mejores producciones de anime de todos los tiempos.

La película fue estrenada el 15 de abril de 1943 en cines japoneses.

Esta fue la primera vez que se usó una cámara multiplano para una caricatura japonesa. La música fue compuesta por Ryutaro Hirota.

Este cortometraje animado y dirigido por Tex Avery, fue estrenado el 8 de mayo de 1943 por la Metro Goldwyn Mayer.

 Esta animación fue incluida en el séptimo puesto del libro ¨50 Greatest Cartoons¨ de Jerry Beck, quien seleccionó los cincuenta mejores dibujos animados de la historia según los votos de personas ligadas al mundo de la animación.

En 2001, a través de un artículo del periódico The Guardian, el director de cine Terry Gilliam incluyó a Red Hot Riding Hood entre las diez mejores películas animadas de todos los tiempos, y destacó la labor de Tex Avery:

“No hay ninguna duda en su trabajo, no tiene sentido de que se puede ir demasiado lejos. Creo que hoy en día deberían hacer festivales sobre Tex Avery como antídoto para lo políticamente correcto”.​

Norman McLaren fue un animador y director de cine británico nacionalizado canadiense reconocido por sus trabajos en el National Film Board of Canada. Se trata de uno de los principales animadores experimentales y abstractos de todos los tiempos, aún hoy se pueden ver conceptos que inventó McLaren en anuncios o videoclips.

McLaren es famoso por sus experimentos con la imagen y el sonido, al dibujar directamente sobre la película, incluso la banda sonora.

Utilizó recursos como raspar el celuloide para provocar nuevos sonidos ópticos, explorando aspectos que posteriormente fueron de suma importancia para la industria cinematográfica.

Muchos trucos, efectos y estilos de animación que hoy estamos habituados a ver, fueron el resultado de los experimentos que realizó a lo largo de su vida; pintar sobre celuloide, la pixilación, el uso de slow motion, el filme estereoscópico… Muchas de estas técnicas tenían como objetivo mostrar la metamorfosis de una figura en el tiempo.

Era un gran defensor del cine de Eisenstein.

Un cortometraje animado estadounidense de terror de 1953, dirigido por Ted Parmelee y narrado por James Mason.

El guión de Bill Scott y Fred Grable se basa en el cuento corto de 1843 del mismo nombre de Edgar Allan Poe.

La junta británica de censores cinematográficos hizo de este el primer dibujo animado que recibió un certificado X solo para adultos en el Reino Unido .

En mayo de 1953, comenzo la preproducción de The Tell-Tale Heart , que originalmente estaba destinada a ser una película tridimensional.

Fue nominada para el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación, pero perdió ante ¨Toot, Whistle, Plunk¨ y ¨Boom¨ de Walt Disney Productions .

En 2001, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos consideró la película como “culturalmente significativa” y la seleccionó para su conservación en el Registro Nacional de Películas.

Este cortometraje dirigido por Chuck Jones pertenece a la serie Merrie Melodies.

La historia es protagonizada por Elmer Gruñón y Bugs Bunny quienes parodian las óperas de Richard Wagner, particularmente, El Anillo del Nibelungo.

Fue estrenado el 6 de julio de 1957. Mel Blanc y Arthur Q. Bryan hacen las voces, incluyendo el canto. El cortometraje también es conocido como: ¨Kill the Wabbit¨ , debido a la letra de Elmer con la melodía principal de La Cabalgata de las Valquirias.

Cortometraje de animación yugoslavo de 1961 del director Dušan Vukotić, producido por Zagreb Film.

Se creó en los ahora modestos locales del Cartoon Film Studio del Festival de Cine de Zagreb en la calle Vlaška de Zagreb .

En esencia, esta es una historia muy simple de un extraño triángulo que va a la playa, y todo lo que hace para ser simplemente abandonado.

La música fue innovadora para su tiempo, un jazz nervioso del compositor y director de Zagreb, Tomislav Simović.

Surogat fue en una proeza de la Escuela de Cine de Dibujos Animados de Zagreb y tuvo un gran impacto en otros autores y estudios de dibujos animados de la época, con su especial animación y su mirada irónica del mundo.

Esta película ganó un Premio de la Academia de Cortos animados en 1962. 

Basada en el relato satírico de Nikolai Gogol, este corto se estreno en 1963 y marca la primera película narrativa realizada en la técnica de pantalla de agujas. Cuenta la historia de un funcionario ruso que pierde su nariz, así como la del barbero que la encuentra…

Una animación canadiense de 1968 dirigida y producida por Ryan Larkin para el National Film Board of Canada.

Posteriormente a el trabajo de Larkin en: ¨In the Labyrinth¨ para la Expo de 1967, el presentó una propuesta a la NFB para un cortometraje basado en bocetos del caminar de las personas.

Tardó dos años en hacer la película, el doble de lo esperado, mientras perfeccionaba las nuevas técnicas de pintura con lavado de tinta para no repetir sus trabajos anteriores.

 Estaba absorto en la exploración de movimientos y comportamientos humanos, incluso instaló espejos en su pequeño estudio para estudiar sus propios movimientos.

Walking fue uno de los siete cortos animados de la Federación Americana de Radiodifusión adquiridos por la American Broadcasting Company, siendo la primera vez que se vendían películas de la federación a una importante cadena de televisión estadounidense.

Se emitió en ABC en el otoño de 1971, como parte del programa de televisión para niños ¨Curiosity Shop¨, producido por Chuck Jones.

Fue nominado a un premio de la academia al mejor cortometraje de animación en la 42ª edición de los premios de la academia.

Un corto animado de 1976 de Caroline Leaf , basado en un cuento del mismo nombre de Mordecai Richler, producido por el National Film Board de Canadá.

Realizada con la animación de pintura sobre vidrio y ambientada en la calle Saint Urbain en Montreal, explora las reacciones de una familia judía a principios del siglo XX ante la muerte de su abuela.

 The Street, obtuvo numerosos premios, incluido un premio especial del Festival Internacional de Cine de Melbourne y dos Premios del Festival de Cine Canadiense, ahora conocidos como los Premios Genie, a la Mejor película de animación y el Premio Wendy Michener, presentados en reconocimiento a los logros artísticos destacados en el cine canadiense, también fue nominada para el premio de la academia al mejor cortometraje de animación en su 49ª edición.

Gerald Anthony Scarfe es un caricaturista e ilustrador británico. Sus obras incluyen caracterizaciones grotescas de personas públicas de la realeza y de la política. Sus primeras caricaturas fueron publicadas en la revista Private Eye entre 1960 y 1970. 

Ha trabajado como caricaturista editorial para The Sunday Times e ilustrador para The New Yorker.

Scarfe se acercó a trabajar con Pink Floyd después de que Roger Waters y Nick Mason vieran su animación en una programa de BBC llamado: ¨Long Drawn-Out Trip¨. Más tarde, Scarfe produjo un conjunto de clips animados cortos utilizados en la gira: In The Flesh de 1977 , que incluye un video musical completo para la canción: Welcome to the Machine, también dibujó las ilustraciones de su álbum de 1979, The Wall y proporcionó animaciones para la posterior gira de conciertos de 1980 a1981.

En 1982, trabajó en la versión cinematográfica de The Wall, aunque él y Roger Waters tuvieron diferencias con el director Alan Parker durante las últimas etapas de la edición.

Además de la obra de arte, Scarfe contribuyó con quince minutos de animación elaborada para la película, incluida una secuencia que describe la campaña de bombardeos alemana sobre Inglaterra durante la segunda guerra mundial, con la canción ” Goodbye Blue Sky”

Scarfe continuó trabajando con Roger Waters después de que abandonara Pink Floyd, creando los gráficos en posteriores adaptaciones teatrales de ¨The Wall¨, incluyendo: ¨The Wall Concert en Berlín ¨ de 1990 y ¨The Wall Live¨ del 2010 al 2013. 

Tim Burton realizaria Vincent en 1982,  corto que narra la historia de un niño introvertido de siete años llamado Vincent Malloy que sueña con ser igual que su ídolo soñado, el actor estadounidense, Vincent Price.

Vincent cuenta con dos colaboradores que acompañarán al director en futuros proyectos: Rick Heinrichs, diseñador de producción y colaborador de casi todos sus filmes, y Vincent Price, que brinda al relato su inconfundible voz.

Este primer cortometraje dirigido por Tim Burton, está realizado con la técnica de animación stop motion con muñecos de ojos grandes y lúgubres figuras de arcilla. Cuenta con un excelente guion del propio Tim Burton, música de Ken Hinton y con la fotografía de Victor Abdalov.

Vincent está basado en un poema que Burton escribió al estilo de los cuentos del Dr Seuss “How the Grinch stole Christmas”, mientras trabajaba para la compañía Disney.

Burton no estaba conforme en la compañía durante aquella época, porque no le permitían desarrollar libremente sus ideas. De este modo, se tomó su estancia en la compañía Disney como un trabajo meramente administrativo, dedicando sus esfuerzos creativos a proyectos más personales como: Doctor Doom de1980 o Luau de 1982, un cortometraje sobre cabezas alienígenas sin cuerpo.

A pesar de todo, en 1982, Burton convence a Julie Hickson, directora del departamento creativo de los estudios, para que produzca su primera incursión como director profesional por un presupuesto de 60.000 dólares, el corto de animación Vincent, para darle forma a la poesía que había escrito bajo la influencia de los relatos de Edgar Allan Poe, así como las películas de su ídolo Vincent Price, y las películas de terror alemanas de los años 20´s.

El propio Vincent Price recitó la poesía para el corto en su versión original y más tarde mantuvo una amistad con el director, que se materializó en una colaboración para Edward Manos de Tijeras, última película de Vincent Price, y un documental inacabado filmado por Burton titulado: ¨Conversations with Vincent¨.

Este es un cortometraje animado estadounidense creado en 1984 por Alvy Ray Smith. Aunque éste no sea un corto de Pixar, ya que fue hecho en Lucas films, es considerado así porque fue la primera vez que John Lasseter realizó un proyecto animado por computadora.

La técnica de animación era verdaderamente innovadora para su época, y fue el primer ejemplo del uso del desenfoque de movimiento en la animación por computadora, con complejos entornos en tres dimensiones, en donde los estilos de iluminación y los colores fueron inspirados por Maxfield Parrish, quien hizo uso de sistemas de partículas.

Lasseter trabajó en el mejoramiento y extensión de este sistema, dado que los modelos anteriores de animación por computadora se encontraban por lo general limitados a trabajar con rígidas formas geométricas.

Para la realización del cortometraje se utilizó una supercomputadora Cray X-MP/48 y diez minicomputadoras VAX-11/750, del Proyecto Atenea.

Street of Crocodiles es un sombrío corto de animación en stop-motion producido por los Quay Brothers y estrenado en 1986.

Fue originalmente un cuento escrito por Bruno Schulz, de una colección de cuentos publicada bajo ese título en la traducción al inglés . En lugar de representar literalmente las memorias de la infancia de Schulz, los animadores utilizaron el humor de la historia y los tonos psicológicos como inspiración para su propia creación

Aunque es muy metafórico, la pieza también ejemplifica la naturaleza experimental y curiosa del trabajo de los Quay, que en lugar de examinar el simbolismo potencial de objetos tales como tornillos, polvo, cuerdas y monos de cuerda, muchas tomas parecen enfocarse en los movimientos y características inherentes de los materiales.

Como la mayoría de sus películas, los Brothers Quay emplean una estructura más basada en la música en lugar de una narrativa literal.

1987 es el año de relización de ¨Your Face¨ de Bill Plympton, en donde observamos a un hombre sentado en una silla cantando sobre el rostro de su amante, y mientras canta, su propia cara comienza a distorsionarse de varias maneras.

Las voces de este corto son las de Maureen McElheron, conocida por componer las canciones en ¨The Tune ¨, y también de Bill Plympton.

Después de que se grabó la canción , se redujo la velocidad en un tercio, dando el efecto deseado e inusual, haciendo que la voz sea más masculina.

La canción es completamente original, hecha específicamente para este cortometraje, y las letras representan una descripción metafórica del rostro de alguien utilizando vocabulario melodico para describir la belleza de sus características.  

El cortometraje recibió una nominación para el Premio de la Academia al Mejor cortometraje de animación en su 60ª edición.

Una variación de este corto fue utilizado como el gag del sofá en los Simpsons.

   The Simpsons – The Tracey Ullman Show – 1987

Los inicios de la serie, Los Simpson, fueron cuarenta y ocho cortometrajes de un minuto que se emitieron en el programa de televisión The Tracey Ullman Show, durante tres temporadas.

Estos cortos se emitieron por primera vez el 19 de abril de 1987, comenzando con el mini capítulo “Good Night “ y terminando con  “TV Simpsons”, emitido originalmente el 14 de mayo de 1989.

Los Simpsons debutaron más tarde el 17 de diciembre de 1989, como una serie independiente con el especial de Navidad ” Simpsons Roasting on a Open Fire”.

Cuando el productor James L. Brooks estaba trabajando en el programa de variedades para televisión, ¨The Tracey Ullman Show¨, decidió que quería incluir cortos animados antes y después de los cortes comerciales, después de haber visto unas tiras cómicas del dibujante Matt Groening llamadas: ¨Life in Hell¨, Brooks le preguntó a Groening si tenía una idea para tal fin, Groening inicialmente presentaría,¨Life in Hell¨ como primera opción. Más tarde, se dio cuenta de que animar ese comic requeriría la rescisión de los derechos de publicación por el trabajo de su vida, por lo tanto, eligió otro enfoque mientras esperaba en el vestíbulo de la oficina de Brooks para una reunión, formulando apresuradamente su versión de una familia disfuncional la cual serían, The Simpsons.

Nombró a los personajes como los miembros de su propia familia, Bart se inspiró en el hermano mayor de Groening, Mark, pero recibió un nombre diferente que fue elegido como un anagrama de brat, “mocoso” en ingles.  

La familia fue dibujada crudamente, porque Groening había presentado bocetos básicos a los animadores, asumiendo que los limpiarían, Gyorgyi Peluce fue el colorista que decidió hacer que los personajes fueran amarillos.

Pritt Pärn es un historietista y director de animación estoniano quien ha obtenido una gran reconocimiento en los festivales cinematográficos por sus notables producciones.

En ¨Hotel E ¨, el retira la máscara del antiguo estado soviético como ninguna otra película.

¨Hotel E u Hotel Europa fue estrenada poco después de la declaración de independencia de Estonia el 20 de agosto de 1991, es una película sobre la caída del telón, visto desde una perspectiva de Europa del Este. Pärn pinta Europa oriental y occidental, con los contrastes más extremos develando la mascara del antiguo estado soviético al utilizar diversos estilos de animación con movimientos rotoscópicos lentos y pop art intensamente colorido que contrasta con su tono crudo y áspero característico, acompañando todo lo anterior de música nerviosa y disonante. 

Esta es su película más políticamente abierta y es considerada como una de sus obras maestras debido a su gran importancia histórica, en definitiva la obra más importante del maestro estonio.

Jan Švankmajer es un artista y creador cinematográfico checo, que aborda principalmente en su obra temática surrealista. Es conocido sobre todo por su trabajo creativo en el campo de la animación, en donde mezcla diferentes técnicas, como el stop motion y el rodaje en imagen real, para crear obras inquietantes y sugestivas que pueden ser interpretada en diferentes niveles.

En sus películas, Švankmajer trabaja con muñecos, utilizando una forma peculiar  de stop-motion al emplear actores reales, máquinas, figuras de arcilla, muñecas antiguas, esqueletos de animales y otras muchas curiosidades.

El consigue crear un clima de pesadilla, lo que no impide que sus filmes sean, al menos en cierto modo, divertidos. Se ha inspirado en las obras de autores literarios como Edgar Allan Poe, Lewis Carroll y la leyenda germánica del Doctor Fausto.

   Creature Comforts – Nick Park – Aardman Animations – 2003

Creature Comforts es una serie de animación stop motion en tono mockumentary, originada como un cortometraje humorístico británico de 1989, creación de Nick Park de estudios Aardman, la célebre casa de animación con base en Bristol, Reino Unido conocida por el empleo avanzado de las técnicas de claymation y stop motion en sus producciones, creadores de ¨Wallace & Gromit¨, ¨Rex The Runt¨ y ¨Shaun the Sheep¨ entre otras animaciones.

 En ¨Creature Comforts¨ se muestran a animales de zoológico que hablan de sus experiencias en sus aposentos y comparten sus aflicciones y experiencias tal como si fueran entrevistados de sus condiciones de vida por un periodista. 

La película más tarde se convirtió en una serie de anuncios de televisión en el Reino Unido, y en 2003 se estrena su continuación: ¨Creature Comforts Circus¨.

   The Kingdom of Dreams and Madness (Studio Ghibli) – Mami Sunada – 2013

El reino de los sueños y la locura (夢と狂気の王国 Yume to kyōki no ōkoku?) es una película documental japonesa dirigida por Mami Sunada, fue estrenada en 2013 en Japón.

La cinta sigue la rutina diaria de los empleados y directivos de Studio Ghibli, siguiendo de cerca el trabajo de Hayao Miyazaki, Isao Takahata y Toshio Suzuki, mientras preparan la producción de dos películas que fueron estrenadas de manera simultánea: Kaze Tachinu y El cuento de la princesa Kaguya.

El documental se centra en la vida diaria de Hayao Miyazaki y el equipo encargado de producir y animar las películas de Studio Ghibli, mostrando como es trabajar bajo el mando de Miyazaki en los estudios.

En el documental se aprecian varias etapas del desarrollo de una producción animada, entre ellas, se ve a Miyazaki dibujando los storyboards de la película, a los animadores dibujando la animación principal, además del coloreado, dibujo de fondos y las revisiones hechas tanto por el propio Miyazaki como los supervisores de animación.

   Isle of Dogs – Cast Interview – Wes Anderson – 2018

Isle of Dogs es una coproducción Estadounidense – Alemana, a cargo de  Indian Paintbrush y la propia compañía de Wes Anderson, American Empirical Pictures, en asociación con Studio Babelsberg.

La película abrió el 68º Festival Internacional de Cine de Berlín , en donde Anderson recibió el Oso de Plata al mejor director.

Ha recaudado más de $ 64 millones en todo el mundo y recibió elogios por su animación, historia y humor inexpresivo. 

La película recibió nominaciones en los 76. ° Premios Golden Globe , 72. ° Premios de la Academia de Cine Británica y 91. ° Premios de la Academia, todos por Mejor Película de Animación y Mejor Partitura Original.